Archive pour Les Sommets

Beethoven, L.V. (1770-1827) Les Symphonies. Danish Chamber Orchestra. Adam Fisher.

Posted in Beethoven with tags on 30 août 2019 by rfauclair

Symphonies no.1 à 9

Danish Chamber Orchestra.

Adam Fisher, direction.

Enregistré entre 2016 et 2019, Concert Hall Royal Academy, Studio 2 DR (no.5).

Naxos. 2019. 8.505251. 5h.28m.56s. 5cds.

Appréciation: Sommet du Parnasse******

Allegro con brio Symphonie Eroica op.55

Allegro vivace e con brio Symphonie no.8 op.93

Scherzo Molto vivace-Presto Symphonie no.9 op.125

C’est une millième version des symphonies de Beethoven. Pourtant le premier contact avec cette interprétation fait l’effet d’une bombe! Adam Fisher (n.1949) a travaillé d’arrache-pied avec l’orchestre danois pour nous présenter quelque chose de différent. Les tempis sont acérés, vifs et violents. Chaque mesure est décortiquée, scalpée au couteau, phrasée de la manière la plus sauvage qui soit, mais également d’une rigueur indiscutable. C’est du travail de longue haleine, exténuant et demandant pour les musiciens, qui sont tous ici impressionnants.

Chaque groupes de musiciens sont de véritables virtuoses, engagés dans cette course folle de 5 heures 30 minutes! Fisher propose une vision moderne sur ces oeuvres, « comme le travail d’un metteur en scène sur une vieille pièce de théâtre« , mais adaptée à nos oreilles du 21e siècle.

Le résultat est dramatique à souhait, sans répit pour l’auditeur qui n’a plus de temps à perdre. Il entre directement dans la fureur de Beethoven, au sein de ses propres tourments, revivant ce début 19e siècle en pleine révolution. On est en plein coeur de la guerre et de ses coups de canons. Mais il y a aussi une urgence de vivre irrésistible. Et tout cela finit dans la Joie la plus exubérante. Un sommet.

Schumann, Robert (1810-1856) Intermezzi op.4 et Sonate op.11. Tullia Melandri, pianoforte.

Posted in Schumann with tags on 17 août 2019 by rfauclair

Six Intermezzi op.4 (1832)

Sonate en Fa dièse mineur op.11 (1835)

Tullia Melandri, pianoforte Joseph Simon, Vienne, 1830.

Enregistré à Schuilkerk de Hoop, Diemen, Pays-Bas en 2018.

Dynamic. 2019. CDS7842. 55m.26s

Appréciation: Sommet du Parnasse******

Allegro moderato de l’Intermezzi no.5

Introduzione et poco Adagio de la sonate op.11

Tullia Melandri joue sur un authentique pianoforte du facteur viennois Joseph Simon. L’instrument de 1830, très bien préservé et restauré, correspond à la période créatrice des oeuvres de Schumann présentées sur cet album.

La prestation de la pianiste italienne mérite tous les éloges. Intelligence dans la présentation de phrasés sans cesse mouvants et imprévisibles, robustesse du ton général, sensibilité et poésie… C’est du Schumann, pur et dur, rêveur ou rageur. Sa musique est à l’image de ses alter ego Florestan et Eusebius, personnages poétiques qui représentent la bipolarité musicale chez Schumann. Il a d’ailleurs dédicacé sa sonate op.11 à sa chère Clara sous ces deux noms imaginaires. Cette oeuvre d’envergure, riche en contrastes, est de nature presque symphonique. Elle préfigure les grandes oeuvres à venir. Elle contient déjà tous les éléments typiques de Schumann. On s’étonne qu’elle soit encore peu entendue en concert.

La sonorité du Joseph Simon est fantastique. On est en face d’un instrument qui possède une âme. Ce n’est pas un médium fragile et peu sonore. Il y a au contraire une grandeur, une amplitude rare pour cette antiquité qui date près de 200 ans…On n’a jamais l’impression d’un pianoforte qui peine à reproduire les intentions du compositeur. La prise de son est judicieuse, ni trop près, ni trop loin. Elle transmet parfaitement la subtilité et la somptuosité de l’instrument. Véritable voyage dans le passé, cet album est nécessaire pour retrouver vivant, l’art de Robert Schumann.

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Adams, John Luther (n.1953) Become Desert. Seatle Symphony. Ludovic Morlot.

Posted in Adams, John Luther with tags on 12 août 2019 by rfauclair

Seatle Symphony

Seatle Symphony Chorale

Ludovic Morlot, direction

Enregistré à Benaroya Hall, Seatle en 2018.

Cantaloupe Music. 2019. CA21148. 40m.22s.

Appréciation: Sommet du Parnasse******

Become Desert

Become Desert est une pièce d’une quarantaine de minutes, composée par l’américain John Luther Adams. Il a longtemps vécu en Alaska, où il a expérimenté diverses approches avec la musique des autochtones. Depuis quelques années il vit dans le désert de Sonora au Mexique. Sa musique est inspirée par les sons et les impressions de la nature. Il est également connu pour son implication dans la protection de l’environnement. Il a reçu quelques prix pour ses compositions, notamment le Pulitzer en 2014 pour son oeuvre Become Ocean.

Become Desert est longue pièce contemplative, faite de sons merveilleux, utilisant délicatement les percussions, toutes sortes de textures instrumentales et la présence d’un choeur. Celui-ci semble provenir d’un espace indéfini, flottant on ne sait d’où, diffusant une aura céleste. L’orchestre créé également des géométries sonores inusitées, du fait que l’on ne reconnait plus nécessairement les timbres familiers des cordes ou des instruments à vent. Selon le compositeur, l’oeuvre décrit surtout le ciel étoilé au milieu du désert. La création de l’oeuvre fut inspirée en partie par un poème du mexicain Octavio Paz: « Ferme les yeux et écoute le chant de la lumière… »

La progression de l’oeuvre et les changements de couleurs se font très lentement, à l’image du mouvement imperceptible des étoiles et des constellations. L’effet général est hypnotisant, sidérant de beauté. Et lorsque l’oeuvre s’éteint doucement, on a eu l’impression de faire un rêve éveillé, dans un état d’esprit parallèle, comme si le temps n’avait plus d’importance.

Become Desert est-elle une musique new age? Une musique d’ambiance? Non, ça serait réducteur de la nommer ainsi. À cause notamment de sa complexité d’écriture et surtout de son message environnemental sur les changements climatiques, Become Desert est une oeuvre musicale nouveau genre, connectée sur nos inquiétudes face à l’avenir de la planète. L’essence de son message est fatal et inexorable: un jour, nous deviendrons des déserts…Mais au lieu de nous questionner, cette musique admirable nous invite plutôt à l’abandon le plus total face à la beauté de l’univers.

Haydn, Joseph (1732-1809) Les Concertos pour violoncelle. Robert deMaine.

Posted in Haydn with tags on 18 juin 2019 by rfauclair

Concerto no.1 en do majeur

Concerto no.2 en ré majeur

Robert deMaine, violoncelle J.B. Vuillaume, Paris 1841

Moravian Philharmonic Orchestra, Joel Eric Suben, direction.

Enregistré en 2009 à Reduta Concert Hall, Olamour, République Tchèque.

Leaf Music. 2018. LM222. 51m.10s.

Appréciation: Sommet du Parnasse******

Allegro moderato du Concerto no.2

Finale: Allegro molto du Concerto no.1

Ce sont probablement les plus beaux concertos pour violoncelle de la fin 18e siècle. Haydn a su doser les éléments musicaux d’une écriture savante au service de l’émotion pure. Il offre au musicien des pages d’une exceptionnelle qualité, d’un lyrisme tendre aux plus difficiles passages à exécuter sur un violoncelle. Toutes les possibilités artistiques de l’instrument sont exploitées de la plus belle façon. La discographie de ces oeuvres est riche et variée. En marge des grands labels de la musique classique, l’apparition récente au catalogue de Leaf Music est une belle surprise.

Robert deMaine produit un son magnifique sur son instrument Jean Baptiste Vuillaume. Une sonorité conquérante, enivrante, qui réjouit et fait vibrer tout le plexus solaire! La musique est irradiante, le son est chaud et enveloppant. Les morceaux de bravoure se succèdent et parsèment la partition. Mais Robert deMaine est au-dessus de tout cela. Léger comme l’air, ou d’une redoutable intensité, son jeu mérite les plus grands éloges.

On s’étonne qu’il ne soit pas encore très connu. L’artiste américain, né en 1969, fut premier violoncelliste au Los Angeles Philharmonic. Il fut l’élève de Janos Starker, Bernard Greenhouse et de Lynn Harrell pour n’en mentionner quelques-uns. Son style représente fidèlement la tradition des plus grands. Le disque enregistré en 2009, alors qu’il avait 40 ans, peut se voir comme une consécration pour le musicien.

Du côté de l’orchestre, on a un accompagnement proche de l’idéal. Le Moravian Philharmonic et son chef Joel Eric Suben (qui a étudié avec le grand Sergiu Celibidache) s’exécutent avec brio. La respiration d’ensemble est ample et profonde. Jamais agressif, l’orchestre prend le temps d’articuler et laisse beaucoup d’espace au soliste. D’ailleurs, les cadences solos écrites par le violoncelliste sont particulièrement réussies. Elles respectent le matériau d’origine de Haydn, tout en y apportant de nouvelles couleurs. Chaudement recommandé.

Brahms (1833-1897) Concerto pour violon op.77. Double Concerto op.102. Tianwa Yang et Gabriel Schwabe.

Posted in Brahms with tags on 25 mai 2019 by rfauclair

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Double concerto pour violon et violoncelle op.102 (1887)

Tianwa Yang, violon Guarnari del Jesu 1730.

Gabriel Schwabe, violoncelle Brescia 1600.

Deutshes Symphonie-Orchester Berlin. Antoni Wit, direction. Enregistré à Jesus-Christus-Kirche, Berlin en 2017.

Naxos. 2019. 8.573772. 72m.25s. Appréciation: Sommet du Parnasse******

Allegro non troppo du Concerto op.77

Andante du Concerto op.102 

C’est l’un des plus grands concertos jamais écrit. Presque tous les grands violonistes, dont Joseph Joachim qui l’a exécuté le premier en 1879, s’y sont engagés. Considéré injouable par certains au 19e siècle, ce concerto symphonique est à la hauteur de la réputation de Brahms. Il contient tous les éléments du genre. Le romantisme grandiose, le culte de la pure performance et la vaste proportion de l’oeuvre sont tout à fait à l’image de Brahms. Les incroyables difficultés techniques sont par ailleurs toujours au service du ressenti et du discours musical. Il n’y a ici rien de gratuit. Ce qui s’y produit s’apparente au sacré et force le plus grand respect. Ce concerto pourrait se traduire comme un hymne à la vie en trois mouvements: Dramatique, bouleversant, triomphant.

Au catalogue discographique, les légendes du violon s’y succèdent. Le choix est grand. Presque tous des hommes, bien sûr. On pourrait classer les interprètes en trois catégories générationnelles. Dans la troisième section, beaucoup plus de femmes musiciennes au jeu plus raffiné, sensuel, sensible. Les temps changent. Le côté féminin de Brahms n’a jamais été aussi bien servi : Batiashvili, Fisher, Hahn, Jansen, Mullova, Mütter, Steinbacher…pour n’en nommer quelques unes.

Tianwa Yang, née en Chine en 1987, s’est installée par la suite en Europe pour y compléter sa formation. En la découvrant dans un vidéo promotionnel, elle explique, dans un allemand étonnamment impeccable, ses intentions au cour de l’enregistrement: utiliser la plus grande liberté possible, le sens du vécu et de l’instant présent. Sa prestation peut se décrire comme entière. Elle a une maîtrise complète de son instrument. Sa sonorité semble se former de l’intérieur, en profondes vibrations, puis se libère complètement vers l’extérieur. Elle irradie la musique. À la fois virile et féminine, l’énergie qui se dégage de cette musicienne est irrésistible.

La Deutsches Symphonie de Berlin est en fusion avec la musicienne. Supporté par l’acoustique légendaire de la Jesus-Christus Kirche, l’ensemble génère de grandes vagues sonores. Et la violoniste reste bien détachée du groupe, d’une réelle présence. En complément, le double concerto op.102, possède la même qualité d’interprétation. Gabriel Schwabe au violoncelle est puissant et aussi convaincant que Tianwa Yang. Mais l’opus 77 reste le plus grand de tous. Un sommet.

 

Loewe, Carl (1796-1869) Le Sacrifice de la Nouvelle Alliance. L’Arpa Festante. Thomas Gropper.

Posted in Loewe with tags on 31 mars 2019 by rfauclair

4260330917065Das Sühnopfer des Neuen Bundes (1847).

Monika Mauch, soprano. Ulrike Malotta, mezzo soprano.

Georg Poplutz, ténor. Andreas Burkhart, baryton.

Arcis-Vocalisten München. Barockorchester L’arpa Festante.

Thomas Gropper, direction. Enregistré à Himmelfahrtskirche, Munich en 2018

Oehms Classics. 2019. OC 1706. 103 minutes.

Appréciation: Sommet du Parnasse******

Où puis-je le trouver, celui que le pouvoir de Dieu a rendu la lumière de mes yeux? Où puis-je trouver celui qui m’a donné le fils, puisque sa tombe était déjà ouverte? Où puis-je trouver celui qui m’a rendu la santé? Où puis-je trouver celui qui m’a libéré de l’esprit malin et m’a apporté la paix? Celui que tu cherches, il est ici!

Introduction et Quartett Wo find’ ich ihn, der meiner Augen Licht

Aria pour mezzo-soprano Heilge nacht

Choeur des Filles de Sion Fliesset ihr unaufhaltsamen Tränen

Carl Loewe est un contemporain de Schubert. Il est surtout connu pour ses nombreux lieder. Il fut un ténor respectable, organiste, et chef d’orchestre. En 1820, il postula comme cantor dans la ville de Stettin (aujourd’hui en Pologne) où il demeura pendant 46 ans. Comme Bach, il fut un cantor très occupé, car en plus d’être enseignant, il devait organiser et exécuter la musique sacrée pour les églises municipales. Il composa 6 opéras et 17 oratorios presque tous tombés dans l’oubli. Son amour de la musique sacrée l’amena à exécuter les grandes Passions de Bach, des oeuvres de Handel et Graun, entre autres.

Das Sühnopfer est un passionoratorium composé en 1847 pour 4 solistes, choeur et orchestre à cordes. Il retrace les derniers instants du Christ, de Béthanie, où il rencontra Lazare, jusqu’à sa propre mort à Jérusalem. C’est une oeuvre unique, en marge de la musique romantique du 19e siècle. Elle est nimbée de l’esprit de Bach, de Jean-Sébastien bien sûr, mais également de Carl Phillip Emmanuel par son aspect sombre et pathétique. Le simple accompagnement des cordes est plutôt inhabituel, intimiste et prenant. Il y a une réelle atmosphère de recueillement et de piété émouvante. Carl Loewe a apporté grand soin à son écriture pour la voix humaine, en la simplifiant, en la dépouillant de tout artifice opératique. Il en reste des moments de grâce de pure beauté. Pas besoin de comprendre l’allemand pour entrer dans cette Passion. La musique suffit.

Les solistes sont tous exceptionnels, des voix pures d’intonation, justes et expressives. Le directeur Thomas Gropper a choisi d’interpréter cette oeuvre sur instruments d’époque. Il a créé des sonorités feutrées, très intériorisées. Il invite ainsi l’auditeur à prendre le temps d’entrer en lui-même. Dans la tradition des musiques sacrées de la Semaine Sainte, cet oratorio de Carl Loewe peut trouver facilement sa place aux côtés des plus grands. À découvrir.

 

 

Bach, J.S.(1685-1750) Les Brandebourgeois. Concerto Copenhagen.

Posted in Bach J.S. with tags on 17 novembre 2018 by rfauclair

71QmK7b376L._SL1203_Les six concertos brandebourgeois bwv 1046-1051

Concerto Copenhagen

Lars Ulrik Mortensen, clavecin et direction.

Enregistré à Eslöv Kirka, Suède en 2017.

CPO. 2018. CPO 555 158-2. 94m.26s.

Appréciation: Sommet du Parnasse******

Concerto no.3 bwv 1048

Allegro du concerto no.5 bwv 1050 

Allegro du concerto no.6 bwv 1051 

Encore les brandebourgeois! Après de nombreuses écoutes de l’oeuvre jusqu’à n’en plus soif au courant des trente dernières années par l’amateur que je suis, voici qu’ils reviennent dans une version flambant neuve par les musiciens danois sous la direction du claveciniste et musicologue d’expérience Lars Ulrik Mortensen.

Quelques secondes d’écoute en mode « scan » ont été suffisantes pour une adhésion complète à ce nouvel enregistrement. Pourquoi? Parce qu’enfin ça respire! Les tempis ont été heureusement réajustés en mode relax, vers quelque chose de plus équilibré finalement.

Sur la tonne de versions existantes, il y a eu toutes sortes de parti pris esthétique historiquement informés ou pas du tout. Même Karajan les avait gravé dans une pâte sonore incroyablement épaisse avec ses Berliner. À l’autre extrême, plus près de nous, il y a le délirant Matthias Maute qui a imposé ses folles rapidités aux concertos. C’était trop!

Avec l’équipe danoise, on retrouve des brandebourgeois bien tempérés. Car Bach a besoin parfois d’espace pour bien s’exprimer. Mortensen offre ainsi de la place pour ses musiciens. Ils ont le temps de jouer, de résonner, de se faire valoir. Évidemment tout cela reste très baroque d’essence. Il y a du mordant, des accents bien placés, du rythme bien marqué.

Et c’est surtout le plaisir de Bach qui se remet à virevolter, à s’animer de la manière la plus rigoureuse possible, mais également au sein d’une irrésistible pulsation dont lui seul est le maître. C’est maintenant à nous, princes et princesses d’aujourd’hui, que ces oeuvres sont dédicacées.